史黛琳并不是一个单纯的女人,只有无知的人才会真正的单纯。史黛琳的性格是复杂的,她理智聪明有野心,这是汉尼拔亲口说的,她也懂得颇为圆滑的处理人际关系。这些特质都是汉尼拔喜欢她的原因之一,汉尼拔说过他讨厌粗鲁无礼的人,而“礼节”“克制”这种东西恰恰是人类反动物本能压抑驯化出来的。单纯的人大都遵循自己的本性不经过头脑率直而为,史黛琳绝对不是那些人中的一员。相反地她似乎有点过于克己了,致使这个冷美人坚强的外表下不断泄露出易碎的脆弱,为她增添了几分惹人怜爱的美,但是除此之外你更可以强烈感受到一颗外冷内热的心以及处于弱势也不会动摇的信念。
汉尼拔一向是个精神控制力绝佳的男人,似乎已经超脱了一切人类劣根性的局限。他崇尚理性,智力,欣赏古典文学和音乐(还记得他被关在笼子里时背景的哥德堡变奏吗,巴赫的音乐是公认最具理性的),想必他更加热爱古典悲剧的壮美而非尘世生活的享乐之美。所以史黛琳无疑是他喜爱的典型形象:理智,坚强,整洁,自尊,敏感,而且因为童年的阴影或者她的天性使然具有浓厚的忧郁气质和隔离人群的孤独之美,略带神经质也很能讨好一个精神科的医生。所以汉尼拔对她应该是一见心动的。
然而,最终促使汉尼拔爱上史黛琳的,无疑是那个“尖叫的羔羊”的故事,这个故事太过理想化与符号化以至于有了某种寓言的色彩。那种悲天悯人的情怀,对人类苦难的大爱,都使得史黛琳散发出一种圣洁殉道之美,也令汉尼拔对她的故事一再探寻并被深深震撼。汉尼拔一向对分析人心十拿九稳,而史黛琳恰恰是个例外。他曾猜测她兴许是受过亲戚的性虐待又或者想逃离穷困贫瘠的童年等等等等,无论哪种创伤终归局限于她个人遭受的特定不幸命运。因噩运而自伤乃人之通性,即使合情合理终归显得有些肤浅,因为那仍然跳脱不出个人忧丧得失的范围,而由此带来的悲剧性都带着特定经历的烙印。而真正深刻的悲剧性应是一种更普遍存在的,不依托于这种表象的,基于生命本源的战栗。它需要抛开滥情式的自我宣泄,用一颗理智而朴实的灵魂来与之共鸣。
所以史黛琳的故事大大出乎汉尼拔的意料,她是看到了其它生灵遭受苦难,为它们悲痛,并舍弃一切去拯救它们,这种境界就罕有人可以达到了,夸张点说有种基督背负十字架的觉悟。所以汉尼拔会无限温柔的长叹一声“谢谢你,史黛琳”我想他没说出口的后半句应该是“谢谢你,史黛琳,你让我对人类这种生物稍微恢复了一点点信心。”所以“这个世界因为有你变得更加有趣了”。 两人在片中仅有的一次身体接触即是食指轻触,让人忆起米开朗基罗那幅著名的壁画《创世纪》,上帝的手指点化了亚当,从此神与人的灵贯通了,片中这一段或许暗示了汉尼拔和史黛琳关系上微妙的转变。
他们两个人隔着铁笼的对话是全剧中我最喜欢的部分,细腻的表演加上深沉的音乐感人至深。出现了很多极具象征意味的对白,史黛琳说过,最初她也想释放那些羔羊,但是它们“却不知道逃跑,只是困惑的站在那里,不愿意走”。这些羔羊和愚钝的世人何其相似,即使被给予了肉体的自由仍然是自己心灵的囚徒,都说强者自救,圣者渡人,可大部分庸人却不知道如何逃离人生的悲剧,甚至可悲到意识不到自己身在悲剧之中,只怀着一颗脆弱的心和徘徊的灵魂,不断的游离于天国门外,不断的沉溺于痛苦之中,不断的在内心发出垂死的尖叫。而这一切残忍都被天地间一种更冷酷的沉默掩盖着...就像“The Sound Of Silence”里唱的,当沉默变成了一种声音,让世人错以为一切都是正常的,可撕开这层表象我们眼前又何尝不是烈焰燃烧的地狱刑场?生之痛楚与生之沉重会毫无偏颇的降落在每一个人的头顶,就像史黛琳说的“它们太重了”。
史黛琳小时候当真听到了羔羊的“尖叫”么?我认为答案很可能是否定的(仅限电影),时值冬夜,人人都在沉睡,屠夫们理应尚未开工,几只柔弱小羊发出的哼叫怎么会大到惊醒屋里的史黛琳呢?为什么其他人恰恰听不到这种声音?所以这“尖叫”很可能是抽象出来的一种意向,是一种只在史黛琳心中存在的声音,在她成人后更如梦魇一般,一次次回响。这就是影片运用的象征手法,片名都告诉我们了“羔羊一向是最沉默的动物”,而只有在史黛琳眼中它们因着受难而不断求救和挣扎。这归根结底是因为她有一颗与众不同的洞悉世界的敏感之心。
数倍于常人的敏感加上数倍于常人的慈悲,史黛琳注定不会是一个快乐的人。汉尼拔的素描里,她一身白衣,怀抱羔羊,眼神看似温柔却散发出一种苍凉坚毅的力量,那形象和圣母颇为相似。
其实若说起“强者”和“弱者”的话题,我们每一个人在自然和命运面前又何尝不是一个“弱者”呢?而这个世界本身也许才是汉尼拔所说的那双贪图的双眼。人带着名为欲望的原罪降落世间,不知不觉间互相倾轧,形成一张无形而巨大的网,每一个人既是恶行的施予者,也是恶行的受害者;既贪图的窥视着也惊恐的逃避着;既是罪人,也是牺牲品,逃无可逃,避无可避。就像可怜的坏孩子比尔,就像那个在机场打量史黛琳的男人,就像那些目露轻蔑的男警察,就像你和我。
也许,在汉尼拔眼中人类都是可悲的芸芸众生,为了自己的利益挣扎求生,却逃不出命运的屠刀,最终都会被生活无情的吞噬,就像愚蠢惊恐的待宰羔羊一般,无知麻木可怜可悲。汉尼拔可以说一直在用一种冷酷的理智俯视人类,就像一个无情的神,神不知仁为何物,以万物为刍狗,无法改变人类的悲剧,所以无动于衷。直到他遇到了史黛琳,这个因着天性的敏感洞悉人类的悲剧,却哭泣着想要拯救哪怕一只羔羊的牧女,这个瘦小柔弱却企图用双肩背负世间所有苦难的女孩。两个人既有相似又有完全相反的一面。所以汉尼拔对史黛琳的爱既是惺惺相惜也是对于异己的美好灵魂的守护。
“勇敢的克拉丽斯,如果有一天你的羔羊停止了尖叫,你会来告诉我吗?”如果这个世界真有一天能变成天国,即使冷酷的神也会有稍许动容吧?
这是一篇若干年前学生时代的作业,有部分删改。而且本人对于《沉默的羔羊》的摄影分析带有许多比较强烈的个人感觉和想法,也许有很多地方有错误或者是片面或幼稚,各位看官在阅读时请保留好自己的意见和想法。
接触沉默的羔羊还是在初中二年级的时候在校园的闭路电视台上,那时候只是单纯的看故事发展,然后自己沉浸在恐怖和悬疑的气氛中大呼过瘾。后来大约是一年后我买了一张《沉默的羔羊》的DVD后才开始真正的去品位这部作品。这部作品我每年都要看一到两次,但是我不会感觉腻味,而且每次都会有不同的新发现。
本片是根据美国畅销侦探悬疑小说家托马斯•哈里斯的同名小说改编的,他写了一系列以变态吃人狂汉尼拔•莱特博士为主角的小说,按照出版顺序分别为《红龙》(Red Dragon),《沉默的羔羊》(The Silence of the Lambs)以及《汉尼拔》(Hannibal),而目前他的最新作品《汉尼拔前传》(Hannibal Rising)也已经出版,并且改编成了电影。
说到改编成电影,《沉默的羔羊》尽管是汉尼拔电影系列的第一部作品,托马斯第一部被改编的小说应该是80年代末的《红龙》,但是影片的名字却叫《人猎》(Man Hunt),导演就是后来拍《盗火线》(Heat)的迈克尔• 曼 (Michael Mann),这部作品的成功程度并不亚于我们所熟知的汉尼拔系列。
回归到我们所要分析的这部片,《沉默的羔羊》应该算是1991年美国最成功的电影了,到目前为止,它获得了大小电影节里的三十一个奖项和二十九个提名,其中包括了1991年的奥斯卡最佳影片,最佳男主角,最佳女主角,最佳导演以及剧本改编奖。在本片的获奖和提名资料中很可惜我并没有发现摄影方面获得过任何奖项和提名,但是这并不阻止我对本片在摄影上成就的欣赏。
其实我最早并没有注意到本片在摄影上有任何出彩之处,后来在2006年春节期间我在重温本片时,我却发现本片在摄影上有有别于其他作品的地方,这也是为什么我选择本片作为分析案例的原因之一。
首先,让我来介绍一下本片的摄影指导。Tak Fujimoto (塔克• 藤本,原名为Takashi Fujimoto,藤本隆),日裔美国人,目前属于好莱坞准一线的摄影指导,他出道的时候担任了一些小制作的操机员和摄影指导,他正式步入事业正规应该是在1977年,当时他参加了《星球大战四 - 新希望》(Star Wars: Episode IV -A New Hope)的拍摄,作为第二摄制组的摄像师。随后他在好莱坞拍摄了不少电影,同时也拍摄了些电视剧,积累了相当丰富的经验。除了本片之外,他还担任了《费城故事》(Philadelphia)的摄影指导,最近的新作品包括《第六感》(The Sixth Sense),《天兆》(Signs),《最终剪辑》(The Final Cut)和同是由本片导演乔纳坦•迪梅(Jonathan Demme)所指导的重拍片《满洲候选人》(The Manchurian Candidate)。
下面将通过某场的镜头举例来分析本片的摄影风格以及镜头内所包含的深层意义以及镜头用意。
因为我曾经读过部分《沉默的羔羊》的小说,所以对主角克拉丽斯•史达琳的性格和背景有部分的了解。主角在生活中是一个刻苦的女孩子,她的父亲是名警察,可是一次在执行任务的时候被歹徒枪杀了,她心中便有了为了为父亲报仇的念头,同时也造就了她孤胆坚毅的性格。后来她通过努力学习,最终成为了FBI学院的一名学生,并且保持着优秀的成绩。本片的第一个镜头的起幅是森林中众多落光树叶的树,随后镜头从高出开始向下摇,主角从远景跑步入画,一直从远景跑到近景,一个长镜头。这样一个节奏感觉比较缓慢的镜头在气氛上是一个很好的营造,空旷而且寒冷的森林,都让人感觉到不安。主角一个人在这样的森林中跑步是角色性格或生活状态的展现:她很努力,但同时很孤独,可是随后却将主角充满了整个画面,而节奏也忽然加快,给人又是坚毅的感觉,这很符合原著小说中对史达琳的描写。在尽可能短的时间内交代人物状态和性格是一个相当重要的环节,它可以使得观众更快的进入角色状态。
在行为科学部内,影片呈现出了一个斯坦尼康跟拍的长镜头,主角满身是汗的身着着FBI学院的校服不断地与西装革履的探员擦肩而过,在视觉上很明显的可以看出在穿着上和状态上的差异,突出明确了主角的身份,此外,这种强烈的视觉对比也制造了一种紧张或压抑感,主角并不知道长官为什么要见她。
有调度的长镜头在本片占了相当大的比重,但在记忆中美国对长镜头却不怎么感冒,我所唯一记得的爱玩长镜头的美国导演就是大导演德•帕拉玛(Brian De Palma)了。
作为本片中相对比较重要的场景——汉尼拔博士所在的牢房,当主角第一次进入时,摄影师藤本使用了一个近乎360度原地旋转的主观镜头:此镜头起幅是三台监视器,分别是汉尼拔的牢笼;正在上楼梯的巴尔的摩精神病医院的主管奇顿医生以及汉尼拔牢笼外的走道。随后是一名荷枪实弹的警卫在检查枪械,落幅则是一名告诫主角注意事项的工作人员。
关于这样的主观环视镜头在影片中还出现了两次,一次是在FBI学院内的搏击课上,主角拿着防护垫,而其他人则戴着拳套站在周围轮流击打。教官不久后把主角叫出去,这时候再次出现了近乎360度的环视镜头,但这个镜头和上个镜头不同,在这个镜头里我们看到许多男性学员戴着拳套站在她周围,而主角的女伴也戴着拳套站在一边。我的感觉是导演与摄影师在有意识的突出主角的特殊性,与周围其他学院的对比,一名女性学院却承担了一个本应该是男性学员的职责,这场戏的最后一个镜头是大全景,我们看到拿防护垫的女性学员只有主角一个。
还有一个镜头出现在村殡仪馆验尸的那场中,不过这个主观环视镜头没有前两个镜头有那么大的旋转幅度。这个镜头的拍摄对象是村里的警察,主要是表现那些男警官对一个女探员的神态反应。
从以上这三个镜头,我的感觉是,这种主观环视镜头可以在尽可能短的时间内通过设置设计来清楚的展现周围环境甚至是场景外的事物,同时也可以表现周围人的反应以及主观者的内心状态。而主观者的内心状态展现的前提是出现周围环境的衬托。尽管这里所论述的主观环视镜头,是一种大运动幅度的主观镜头,但是个人认为这种镜头与普通的主观镜头还是有许多不同的,一般的主观镜头的镜头运动幅度不如这种主观的环视镜头大,视野具有相当的局限性,在环境表现上就差了不少。而且在内心状态方面,一般的主观镜头由于视野的局限性无法呈现周围的环境,从而就无法反应主观者的内心状态。另外一个关于大运动幅度的主观镜头运用成功的例子就是由岩石•强森(Johnson the Rock)所演出的影片《毁灭战士》(Doom)。
影片很多镜头的运用都是为了营造一种既悬念又可怕的气氛,比如女主角第一次进入汉尼拔博士的牢房时和进入莫菲“小姐”所租的仓库时所采取的是主观镜头与第三人称镜头不断切换的方式。如果分析观众的心理,我们不难发现,观众有想看到所发生一切的欲望,如果看不到,他们会产生恐惧、紧张或者神秘感,这就是为什么往往在恐怖片或悬疑片当中,导演和摄影都会采取缩小画面可见区域的方法来控制观众心理,如希区柯克的经典影片《精神病患者》(Psycho)中最经典的浴室杀人段落一样,希区柯克(Hitchcock)在那个段落中运用了大量的大特写来展现那场谋杀,观众所看到的都是整个谋杀过程中极小的一点,而无法看到谋杀过程的全貌。正如所述,这个方式也在影片最后高潮水牛比尔家中的追逐动作部分的得到了运用。我还注意到影片在水牛比尔第一次登场时,画面控制在水牛比尔的眼睛部分,不仅达到了恐惧感和神秘感,同时也有一种压迫感,符合场景所制造的气氛。
物品也是摄影可以借用到的元素。我想起了在验尸过程中女主角在往指纹刷上沾墨水的那段,镜头一开始是对准她的手部的,而后镜头向上摇,一直摇到一块玻璃上,而玻璃映射出她的脸,她的表情看上去感到十分害怕。很多时候,借用周围的物品来表达人物的心理是一个不错的手段。这个镜头中镜子是作为她内心里的真实写照而出现。关于镜子在影视摄影中的摄影,我曾经参加过一个学生联合作业,故事大概是说一个在租碟店工作的男孩子和一个在理发店工作的女孩子互相喜欢上了,可那女孩子却被一个公司老总看上,那个公司老总经常去光顾理发店,而因为现实的压力,女孩子跟老板在一起了。那女孩子与老板的戏大部分是在理发店里的镜子中呈现的,代表着他们不真实的情感。
这部电影大量的使用了长焦距镜头,本片的两名主角都是学习心理学的,固然会在心里互相角力,这个时候的两人的表情和神态都相当微妙,而两名演员的表演功底完全可以将这些微妙的细节展现出来,任何一丝神情上的变化都可以说是代表着整个角色内心的变化。
《沉默的羔羊》中大量的在汉尼拔和史达琳的对话过程中使用长焦距镜头所拍摄的人物大特写,尤其是汉尼拔的大特写更是拥有大部分比例。大特写使人物占据画面的主体,强调了人物同时又放大了所要突出的神态细节。使用长焦距镜头拍摄还可以还原人脸部的透视正确比例。
当主角第一次出现在图书馆外时,摄影师运用长焦距镜头进行拍摄,前景是正在接受记者访问的巴尔的摩精神病医院主管奇顿医生,而后景是刚刚被奇顿医生耍了的女主角。镜头开始前景是实的,景深很小,而后女主角入画走近,焦点便对准了女主角,随着女主角的出画,焦点又实回到奇顿医生上,这不仅是为了突出拍摄的主体对象,同时也给这个场景划分了两个表演区域,这两个看似毫无关联的表演区域其实是有关联并且互相影响的,两个人的关系很自然的通过这个镜头表现了出来。这个镜头启发了我不少,我认识到关于通过焦点的变换也可以成为一种表现手法,表演区域的划分可以不再通过构图或者置景来划分。
下面谈一谈关于《沉默的羔羊》中的其他部分。
关于光在本片的运用,其实不仅要达到提供足够光度照明的作用,还得打得好看并且具有一定的内涵,例如有时候单靠光就可以体现出一个人物的性格,单靠光也可以烘托气氛甚至是叙事。
在机场汉尼拔与议员见面时,影片有意识的使用闪烁的警灯所闪出的灯光印在医院和汉尼拔的脸上,一方面议员想体现一种权威和威严,但同时不断闪烁的蓝红灯光又不断的出现又消失,也反映出议员烦躁不安的心情。
再举一个例子,当女主角和她的女伴知道汉尼拔逃跑的消息后,他们在屋内只开了一盏台灯,景深出一片黑,紧张、压迫感和害怕感不言而喻,而当女主角认真分析了汉尼拔并不会找她报复后,下个镜头这间房就是满屋透亮了,所以我认为在某些程度上光可以叙事。
但本片在光的方面有一个“多多少少的败笔”,就是当警察进入关押汉尼拔的房间内时发现自己的一个同事被悬挂在铁笼子上呈天使状,可后面的灯却很明显是为了好看而打,完全忽略了正常的生活逻辑,显得相当做作。
在IMDb中,本片拍在全球250佳片的第二十七位,可见其地位以及无论是在商业上的还是艺术上的成就。《沉默的羔羊》在我看来,摄影方面真的相当独特,它融合了许多有深度和想法的镜头在里面,而作为一部商业电影,很难找到类似在各个方面都如此优秀的影片。
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那个稍微搜了些我所说的那些镜头的图片,大家可以在
http://moviefilm.blogbus.com/logs/42635324.html看到配图
《沉默的羔羊》几乎可以算是20世纪90年代以来最能够反映美国社会犯罪问题的一个经典,而且,这个影片非常好的继承了好莱坞恐怖片基本的尿性和传统的恐怖片模式,也让人感到非常惊奇,将恐怖的氛围和悬疑侦探的元素巧妙地结合。而影片中的场景大多数都是以封闭的室内环境为主,整体的场景构造让人感觉更加的扑朔迷离,而且,封闭的室内环境会给人一种动作性的突破感觉。整部电影所营造出来的那种氛围,就像是把所有的人都引入到了整体影片的扑朔迷离之中,这样一个象征性的人类潜意识世界看起来非常的具有特点,而影片中最特别的地方并不仅仅在于它的恐怖和悬疑氛围,更在于他通过对于人的心理的一种探索,找寻出了美国社会的恐怖最为玄妙,也是最为根本的社会根源,这个主题非常的生话,而且主题给人的印象也极为深刻。
借鉴,不妥私信删。
因为专业英文课上有着好来坞二十多年资历的老师要讲这部片子,便买了碟重新看了一遍。以前一直是个电影欣赏者,现在念了电影研究生,得要求自己是个电影分析及实践者。所以之前看过一遍但没印象的片子等于没看过,还有人说看一百部片子不如看一部片一百遍。从此做为把看电影当欣赏当消遣的娱乐性不再,拔到了电影艺术的研究与实践之中的乐趣里也是挺好。
我想这是一部讲“交换Exchange”和 “改变Change”的片子。在片中Dr. Lecter(Anthony Hopkins饰)在跟 Starling(Jodie Foster饰)提到要交换时的英文原文是“Quid pro quo”,我问了外文底深厚的堂弟Quid pro quo是什么意思?他说这是拉丁文,有something to something、做一件事用另外一件事来弥补的意思。在堂弟的语言中中文是第三语言,所以在考查了他的说法与片中中文翻译后,我就定义成了Exchange和Change的片子。我们想要改变Change现状,通常都得用些什么事物来交换Exchange。
Starling想要改变做恶梦的习惯,她得用童年的不好回忆来跟Lecter交换。
Lecter想要改变自己的牢房,他得用分析杀手Bill来跟Starling交换。
杀手Bill呢!?他想要改变自己,他用了杀人剥皮来跟魔鬼交换。
Lecter曾在Starling一头雾水时对Starling说:她有破案的能力。我想是Lecter已经看出Starling跟Bill一样都有着童年的阴影及想要改变的愿望,编导则用了蛹变蝴蝶来比喻贯穿全片。
本片得了1991年的奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳剧本、最佳男主角、女主角五项最重要的奖项,据说奥斯卡还是第一次把最佳影片搬给了这样的惊悚类型片,另外Anthony Hopkins在片中出现也不超过30分钟,也同样造就了经典。
Starling在半部片前经历着女性的弱势(电梯里高大的FBI同事们、精神医生的嘴皮、独自拿千金顶开仓门,男人却在旁袖手旁观、在州警们面前的渺小、昆虫博士的轻挑),但到片尾却是靠她单独破案解救人质,而此时她的男性长官Crawford却犯下了误判白忙一场,女性观众应该颇能认同。与此同时对Starling的男性认同也着墨不少,闪回的父亲画面带出恋父心情,后从长官Crawford的理性逻辑和Dr.Lecter的感性互动中综合的找到了她自己对男性形象的解决。Starling最后成功的“改变change”了,她不再听到羔羊的惨叫。
片子在Starling找到Bill住处的高潮前,有段Crawford率队攻坚、被绑议员女儿技诱Bill爱犬及Bill在变性画妆门铃响起的平行剪接相当好看,紧凑的安排把观众放到了快要知道结局但又不知发展为何的紧绷状态之中。但在其中,我觉得导演犯了一个错误,不该让观众从Crawford在飞机上拿着嫌犯的照片就知道他已误判,此举让后面的攻坚和门铃声的平行剪接失去了悬疑性。个人觉得,实属可惜。
棒就一字,看完后记住那句话“勇敢的克拉丽斯,如果有一天你的羔羊停止了尖叫,你会来告诉我吗?”
汉尼拔努力的向克拉丽丝揭示社会的堕落,人性的虚伪,即便是中情局这种标榜正义的机构,也在与权势作着险恶的勾结;平日里人模狗样的上司、同事,私底下也在与金钱作着坑脏的交易;人们以友善示人,而以自私和怀疑自处。温顺而善良的羔羊从来得不到上帝的安抚。
親愛的朱迪,當時我還不懂人為什么會有那麼深沉的夢魘……
安东尼·霍普金斯的顶级表演~~
所谓经典就是无论什么时候翻出来,都能让人回味许久,值得反复琢磨研究。其实小说本身并没有多么出彩,但安东尼·霍普金斯却超一流的演技诠释到了近乎完美的境界。★★★★☆
喜歡那場變態者在鏡前的独舞,實話說這篇小說真是不怎么樣,但電影成就了奇跡。
2021SIFF NO.9 一些女权主义和酷儿元素:没钱做变性手术的trans渴望化茧成蝶 从丑陋的buffalo蜕变为美丽的女性 最后磨刀霍霍碾压弱者 披上女人皮做的外衣 女警察努力扮演男性气质以适应工作环境 对抗自己内心软弱的lamb的啼叫 依然免不了周遭种种刁难 但她巧妙地化歧视为优势 破解了困局 两种性倒错的策略 前者被指认为“病态”需要被惩罚 后者则力求被理解、争取合法化 而Hannibal将两者统合起来 他证实了同一机体如何共存着文明、礼节的外壳与Cannibal的内里 如利刃般刺破所谓理性社会 也开出了一剂解药——“正视你的内心”
Jodie Foster太美了天哪我都要心动了!
二十年后再看,注意力已不在汉尼拔和福斯特身上。福斯特与她导师之间的关系倒吸引了我。沉默的羔羊,其实是女主本人,而导师恰好是压抑她的那个人(影片中男权笼罩的心理暗示当然还有好几处),他的伪善表现在三个地方,一是在葬礼时,他回避将案情告诉女主,后来又伪善地跟她解释给自己洗白;二是在女主寻找线索时把电话打给导师,听到他已经动用特种部队去抓人了,才知道导师根本没把他掌握的案情进展跟她提及,也根本不信任她的意见;三是庆功会上,导师根本没有为她感到骄傲,反而意兴阑珊,提前离场了。这些细节,强化了女主沉默的羔羊的身份,如果没有汉尼拔的出现,谁会在乎这样“她”的感受,这也是整部影片成立的基础。第一次探监时,旁边“狱友”还用精液猥亵她,可是谁曾想,第二天汉尼拔便弄死了他,成全了两人的精神投靠。
重温经典,发现现在多少影片借鉴了它。。。很喜欢沉默的羔羊这个隐喻,虽然我也不确定它到底暗示了什么。。
手指触碰的镜头好美!
如果汉尼拜尔教授不整天嘴上念叨着吃人,和他共进晚餐一定是世界上最迷人的事情。★★★★★
正是因为米国没有卤煮火烧和烩羊杂,就连爆肚、溜肥肠,酱爆肝尖,火爆腰花什么的都没有,所以作为美食家的汉尼拔很尴尬,常常为了一份食材而绞尽脑汁,大费周章,其实。北京欢迎你,大可满足你顿顿吃卤煮的愿望。
狼受重伤救下羊,约定三生诉衷肠。为爱流浪有歌唱,相互扶持去远方。
“颇具匠心地将恐怖片与侦探片结合成一体,采用希区柯克式的悬念手法和现代恐怖片的心理分析,将观众引入了象征性的潜意识的世界。警察为了捉一名杀人狂魔而不得不求助于另一名杀人狂魔,这本身就具有强烈的荒诞与讽刺意味。影片一直在寻找人类社会的恐怖之源,最后得出了一个“由于秩序本身的问题造成的,反过来危及秩序的犯罪病例”的结论,这使得影片具有了一定的社会意义。”
变态不可怕,可怕的是有文化有姿势的变态...
同时获得奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳男主角、最佳女主角、最佳剧本的电影,影史只有三部,另外两部是《一夜风流》和《飞越疯人院》。
面对阴险、深邃、睿智的眼神,面对善良、疑惑、稚嫩的眼神,我同时看到了一丝迷茫与矛盾,对人性理解上的茫然,对自己内心世界与离经叛道的行为的矛盾辩解,他们对自身性格的了解都是那么的缥缈,这也许就是两人吸引对方的共通点吧!
T-BAG出现之前,安东尼大叔一直是我的绝对偶像。
案情嗲,克拉丽丝和两位中年导师的暧昧更嗲。Scott Glenn演的这种清高消瘦性压抑的冰山美人最诱人了,大部分观众均沉迷于以汉尼拔为中心的CP只有我觉得"随便谁都好快推倒克劳福德呀"吗